Marley & Me (2008)

Jennifer Aniston nunca me gusto como actriz, no me convence en sus papeles. Si bien soy fanático empedernido de la serie Friends, justamente el personaje de ella es el que menos me gustaba… el que sentía, y aun siento, que esta desconectado de todos los demás. Owen Wilson, como lo he dicho en un principio, me parece un grande… siempre y cuando haga películas en dupla, como Zoolander o Starsky & Hutch. El como protagonista único, salvo Behind Enemy Lines, el resto de sus cintas son de muy bajo nivel…no se si por falta de alguien que lo guíe bien o por propia y absurda decisión de el mismo. Sea como sea, Marley and Me no era una cinta que llame mi atención, los “por que” están a la vista. Pero una buena tarde, luego de revisar y revisar a ver que podía ver con mi novia, ella termino eligiendo, medio a mi desgano, esta película.
Y debo decir que no me arrepiento de verla… por lo contrario, la disfrute.
La película maneja la estructura de una comedia típica, con algunos gags muy buenos, pero el resto de ellos un tanto flojos. La historia adopta también un poco de romanticismo y dramatismo, cuando pone en el foco del huracán a la misma relación que une a los protagonistas de la película, mostrando esos problemas de la convivencia que día a día pueden aflorar en cualquier pareja, por mas consolidada que este. Las situaciones cómicas se comienzan a formar con la aparición del hermoso perro que termina siendo casi un protagonista mas, aunque su importancia dentro del desarrollo de la historia tiene sus altibajos: en un principio, el perro es vital para la dinámica de la cinta… con el correr de los minutos, deja de aparecer como protagonista y toma un segundo o tercer lugar, desplazado por los problemas de la pareja y los hijos de la misma. Mas llegando al final, el perro prácticamente desaparece de la atención del director, para volver con todo hacia el final, donde prácticamente roba el centro de la acción. Más allá de estas idas y vueltas, la película no ofrece mucho más. Los diálogos sencillos y la trama plana y simple, no ofrecen mayores dificultades al aspecto técnico.
La dirección es responsabilidad de David Frankel (The Devil Wears Prada) quien también dirigió capítulos de series como Sex and the City, Band of Brothers o From the Earth to the Moon, entre otras. Actúan, como ya mencionamos, Owen Wilson (Zoolander, Behind Enemy Lines, Wedding Crashers) quien nos ofrece una calida actuación, de las primeras luego de su intento de suicidio. Le siguen Jennifer Aniston (Bruce Almighty, Along Came Polly, Derailed), Eric Dane (X-Men: The Last Stand, Feast, Open Water 2: Adrift) y Alan Arkin (Edward Scissorhands, The Rocketeer, Get Smart).
Si haces un paneo amplio, todo cierra, no hay huecos, no se vuelve aburrida, las actuaciones son convincentes, la dirección es muy buena, y termina contagiando sentimientos que, seguramente, no teníamos planeados expresar en una cinta de estas características.

Puntaje: 7/10

Dan in Real Life (2007)

Una comedia de corte dramatico y romantico, que habla, como no, sobre el amor, logrando tocar un tema bastante estilizado como el amor en gente grande y con hijos, pero de una manera sutil sin caer en la obviedad ni en los golpes bajos. Un director novato (Peter Hedges) dirige al genial Steve Carell, quien logra mostrar un lado mas dramatico en esta cinta, exponiendo sus dotes de actor y no tanto su lado comico. De todas formas, la estructura de la cinta se basa en los enriedos que vivencian los protagonistas, dandole una dinamica activa a la cinta pero gracias a la variedad de contenidos, que muchas veces se alejan del tema central. Lamentablemente, hay bastantes puntos flojos, algunos huecos argumentales y ciertos espacios en blanco que vuelven a la cinta un poco densa. El final es demasiado redondo, muy tirado de los pelos, pero si tenemos en cuenta la escencia de la cinta, era lo que tenia que pasar.

Puntuacion: 5/10

My Sassy Girl (2008)

Remake de una cinta Coreana, esta cinta americana que protagoniza la hermosisima Elisha Cuthbert logra ser, muy a su manera, un ameno homenaje a la original. Pero, si dejamos la cinta oriental de lado y no caemos en comparaciones, My Sassy Girl version 2008 logra convencer, sobre todo, por un muy buen trabajo de actores por parte del director. El plasmado de los sentimientos, implicitos en la propia historia, se disparcen por la totalidad del metraje de una forma muy convincente, ayudando asi a la estructura, que maneja una dinamica y un ritmo muy americano por cierto. Pero aun asi, logra tener ese aire tan “oriental” en cuanto al propio desarrollo de cada personaje, cuando, hablando propiamente, estas personalidades son las que le dan vida a la historia. Drama, romance y algo de comedia estan mezcladas es este cinta moderna, que no se destaca en nada pero que logra convencer por su propia frescura al intentar despegarse de su predecesora oriental. A destacar, la belleza de la protagonista y su actuacion.

Puntuacion: 7/10

Hero Wanted (2008)

Con un ritmo muy activo y mostrando escenas sin desperdicios, el film comienza de una forma prácticamente demoledora que no da tregua al espectador y nos mantiene apresados a nuestros asientos. Pero aun así, el principio de esta historia maneja una estructura un tanto confusa, llendo y viniendo entre los espacios cronológicos sin indicativo temporal alguno, haciendo que si entendamos lo que ocurre en el momento, pero que no sepamos donde estamos parados dentro de la trama. Con el paso de los minutos, las piezas se van acomodando y dejan ver una estructura más simple, aunque igual de comprometida con el presente y el futuro de nuestro protagonista.

La historia muestra un fuerte costado dramático, lleno de cuestiones muy particulares avocadas en las emociones y muchos sentimientos encontrados, que saben, en su momentos justo, hacerse a un lado y dejar pasar al frente a una acción cruda, sin miramiento alguno, lo más dura posible, con escenas que no llegan a ser del todo explicitas pero que logran contrastar con el lado más profundo de la cinta. El estilo fílmico y la edición se pueden apreciar con más detalle en estas escenas, donde los detalles están cuidados como se debe y todo cierra y se conjuga como la cinta lo amerita, regalándonos así un buen aspecto visual que difícilmente hubiésemos esperado dadas las condiciones de la producción y la orientación de la temática.

La historia cobra sentido hacia el final de la cinta, respondiendo a todas las preguntas planteadas. La estructura de este drama se termina de completar con buenas escenas de acción, sobresalientes para el reducido presupuesto que se maneja. La realización corre de la mano del novato Brian Smrz en su primera cinta como director, tras hacer sido stunt de unas 70 películas aproximadamente, entre las que se destacan Batman Returns, Jurassic Park, Tales from the Crypt: Demon Knight, Broken Arrow, Blade, Mission: Impossible II o Live Free or Die Hard, entre tantas otras. El protagonista de la cinta es el regular Cuba Gooding Jr., que no entrega la mejor de sus personificaciones, quedando obviamente lejos de lo que supo hacer en cintas como Men of Honor o What Dreams May Come.

Puntuación: 7/10

Felon.

El principiante director Ric Roman Waugh dirige esta solida cinta, que se inclina por mostrar un drama rudo, de facil resolucion, pero concreto en su historia. Felon cuenta la historia de un hombre comun, con su novia y su pequeño hijo. Una familia unida que esta a punto de realizar su propio negocio y asi poder casarse. Pero el destino hace que, por una injusticia, el padre de familia tenga que ir por tres años a la prision, mezclandose con criminales y aprendiendo a sobrevivir por sus propios medios.
La cinta se reposa en una excelente dinamica argumental, donde se destaca el desarrollo de los personajes principales, ya que gracias a ellos la historia se sustenta y va cobrando forma cuando ellas comienzan a interactuar. Por eso mismo, es que tanto Stephen Dorff como Val Kilmer entregan unas representaciones mas que convincentes, como tendria que tener todo drama. Lejos de los efectos especiales, la trama esta llena de pequeñas pero constantes situaciones que nos hacen meternos de lleno en la piel del protagonista y sufrirlas junto a el. Por eso mismo, el ritmo de la cinta es constante y bastante activo, sin caer en momentos densos ni aburridos. Lejos de ser tambien un drama convencional, la cinta opta por, muy entredientes, mostrar el reflejo de los guardiacarceles, y decide darnos una enseñanza no tanto moral, sino social, sobre todos a los masas estadounidenses acostumbradas a ver peliculas donde los adolescentes son ricos, viven del dinero de sus padres y no los atormenta otra problema que las “tribus urbanas” o la desdicha del baila de graduacion. Si bien no es el mejor drama de la historia y dista de serlo, Felon logra ser una pelicula muy convincente para aquellos que no quiera pensar mucho, y solo quieran relajarse y ver una historia cruda que supone no alejarse demasiado de la realidad.
Quizas el final se vaya un poco de contexto por ser demasiado circular, en lo que supone ser una historia donde la “felicidad” es solo una metafora que existe en el amor que funciona como combustible para nuestro personaje principal.

Lucas Robledo.

Puntuacion: 8/10

Step up 2 – The Streets.

Step up 2 -The Streets no resulta ser una cinta muy difícil de descubrir. Primero, por que si vimos la primera parte, sabemos más o menos que nos va a mostrar esta continuación. Y segundo, pero no menos importante, es el genero del film, la temática y hacia donde esa orientada. Si tenemos en cuenta estos factores y optamos por verla, no es una cinta que sorprenda con cosas nuevas, ni tramas complicadas, ni nada que pueda desviar nuestra atención. La cinta comienza simple y bastante trillada en su temática, donde logra ser de esas que apuestan al drama para lograr así plasmar la mas que conocida moraleja de seguir nuestros sueños hasta que se hagan realidad. A pesar de esto, la estructura del guión es muy entretenida aunque la historia en si se deja reposar sobre desgastados clichés de típica película adolescente, donde las problemáticas de la edad generan la rebeldía necesaria que termina generando las situaciones que se plasman y le van dando forma al film. De la misma manera, podemos observar como en su primera parte, diversos puntos que hablan y se refieren a la juventud de hoy en día, quienes son los que prácticamente manejan los vaivenes de la sociedad americana con sus gustos, caprichos, miedos y complejos. Desde ahí, nace el alma de esta cinta, mucho mas “under” que el de su predecesora y mas orientado a los barrios bajos, cuna del baile que le da vida a esta producción. Por eso mismo, al ser una película donde la música es un factor muy importante, se puede ver una clara influencia de lo que hoy mueve las masas en los EE.UU. Ritmos como el Rap, el Hip Hop y el R&B resuenan constantemente en la trama, junto con los infaltables ritmos latinos, como muestra innegable del poderío que están tomando los latinos que pululan y pueblan las calles del sur del país. Todos temas, elegidos con gran oído, marcan ritmos intensos y logran ser muy pegadizos. El aspecto técnico de la película, que quizás se piensa como algo bien simple, no lo es. La fotografía cumple un papel importante, aunque imperceptible si no prestamos atención. Las escenas en donde hay muchísimas personas, los colores parecen sobrepasarnos, sin embargo, se logra ver cada detalle que el director desea remarcar. El estilo fílmico, moderno, responde a una serie de tomas y encuadres realmente bien pensados, con precisión casi milimétrica que nos permite observar con detallismo cada movimiento, paso y coreografía. Hablando de estas últimas, realmente es impresionante todo lo que se logra en esta cinta a nivel artístico, mezclando actores que saben bailar, como gente que viene desde años en el tema, incluso contando con la ayuda de Hi-Hat, una de las mejores coreógrafas del mundo.

La historia cuenta sobre una joven que pertenece a un grupo de baile. De pequeña, su madre muere y la deja en manos de su mejor amiga, una mujer que promete cuidar y llevar por el buen camino a su pequeña hija huérfana. Pero la propia rebeldía de la joven hace que su madre sustituta se canse de ella y la decida enviar a Texas con su tía. De ser así, todos los sueños de la joven se verán frustrados ya que se vera obligada a dejar a sus amigos y a su tan amado grupo. Gracias a un amigo, la madre sustituta le da una nueva oportunidad solo si ella se inscribe en la MSA (Maryland School of the Arts), un lugar donde el arte es el punto común de todos los estudiantes y donde, la danza que se realiza, es clásica. Luchando contra los prejuicios por su estilo de baile, conocerá a un joven que la ayuda a cumplir sus sueños y a no defraudar a quienes realmente creen en ella.

La dirección esta a cargo del novato californiano Jon Chu (When the Kids Are Away, Silent Beats), quien, sorpresivamente, nos entrega una cinta realmente atrapante, que mas allá de perdonables detalles a causa de la falta de experiencia, termina realizando una cinta remarcable en su plasmado. Actúan la bella Briana Evigan (Bottoms Up, Something Sweet, House of the Damned), Robert Hoffman (Shrooms, Coach Carter, She’s the Man), Adam G. Sevani en su primer rol, y Black Thomas (Stomp the Yard, Dreamgirls). Además, cuenta con el cameo del protagonista de la primera parte, Channing Tatum (Stop-Loss, She’s the Man, Coach Carter).

La cinta logra ser muy convincente y entretenida, sobre todo para aquellos que disfrutamos de estas músicas y este tipo de danza. Mas allá de algún que otro detalle flojo, que generalmente recae en lo trillado, lo repetitivo o lo previsible, el resto de la cinta esta muy bien, mostrando una escena de baile final, bajo la lluvia, que es de lo mejor que he visto en este genero, completamente destacable en todos sus aspectos técnicos.

Lucas Robledo.

Puntuacion: 8/10

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Requiem ( El Exorcismo de Micaela / La Posesion )

Esta película Alemana del 2006 esta basada en hecho reales, que la hacen demasiado parecida a la cinta The Exorcism of Emily Rose, por el contexto, ciertas situaciones y algún que otro detalle en la dinámica argumental. Si tenemos en cuenta su nacionalidad, no nos va a costar adivinar el tipo de dinámica que esta cinta nos va a regalar, y por el estilo fílmico sabremos que no intentara salir de los estructurados cánones del cine local. Por eso mismo podemos ver que la cinta comienza con un ritmo muy lento, que mantiene firme durante toda la cinta, sin producir grandes altibajos. Pero lo que realmente importa, sin embargo, es la dinámica narrativa, que siendo lenta y sólida, se mantiene dentro de una estructura llena de escenas que logran contar la historia de una forma medianamente atrapante, que apunta a generar grandes climas de suspenso que nunca logran cumplir su cometido. Todo lo que se refiere al especto técnico es bastante normal, tirando a pobre, perpetrando algunos movimientos de cámara bastante bruscos y encuadres que tienden a buscar el objetivo principal a falta de un centrado equilibrio en la composición de las imágenes. La estructura de la cinta logra perder cualquier sentido posible en la escena final, donde se da por finalizada la cinta de una forma completamente chocante, que no cierra ni confirma todo lo plasmado hasta el momento y durante el transcurso del film. Así mismo, la trama nunca genera la fuerza necesaria para lograr ser atrapante o interesante, y en contraparte, resulta ser poco coherente ya que nunca muestra un orden aparente ni un marcado hilo conductor, estando lejos de respetar el conocido “principio/nudo/desenlace” que toda historia debería tener.

La película cuenta sobre una joven de estricta crianza religiosa que apoyada solo por su padre, decide ir a la universidad. Una vez en ella, comienza a tener extraños episodios que la hacen sentirse demente, pero que, según párrocos amigos, se tratan de tormentos causados por una posesión demoníaca que la frágil adolescente lleva consigo.

La dirección esta a cargo de Hans-Christian Schmid (Distant Lights, Crazy, 23), y actuan Sandra Hüller (Madonnas, Midsommar Stories), Burghart Klaußner (23, Good Bye Lenin!, The Edukators), Imogen Kogge (King of Thieves, Barefoot, The Wedding Party) y Nicholas Reinke (The Lord of Edessa).

Terriblemente aburrida, la película no logra ser entretenida en ningún aspecto. El misterio manejado por la historia se vuelve irreverente con el paso de los minutos ya que nada termina teniendo sentido en esta cinta que termina en el medio del desarrollo de una historia que el director no supo contar de una forma adecuada.

Lucas Robledo.

Puntuacion: 2/10

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El Niño de Barro.

Un peso pesado español y otro argentino, unían fuerzas para producir una prometedora película de suspenso basada en uno de los casos policiales más fuertes de la Argentina. El “petiso orejudo” fue un asesino que con menos de 16 años ya había asesinado a muchísima gente de la forma mas brutal, ya que no solo se conformaba con asesinarlos, sino que los torturaba de formas indescriptibles antes y después de muertos. Cayetano Santos Godino era su nombre real, y había nacido el 31 de octubre de 1896. A decir verdad, la historia argentina no tiene grandes casos policiales para plasmar en cintas, ya que quitando la dictadura (plasmada hasta el hartazgo) y la guerra de las Malvinas (plasmada pocas veces y de formas no muy convincentes), solo quedan dos asesinos que azotaron las mentes de los criminalistas nacionales: el primer caso es el nombrado, el del “petiso orejudo”. Y después, quizás mas popular por su conducta, fue el caso de Carlos Eduardo Robledo Puch (que para quien lo piense, nada tiene que ver con mi apellido familiar), joven criminal nacido el 22 de enero de 1952, apodado “el ángel negro” o en su defecto “el ángel de la muerte” por la prensa local de ese entonces. Por eso, como decía antes, el productor español de renombre, Julio Fernández, y el niño mimado de la televisión argentina, Adrián Suar, deciden plasmar la vida de este joven, en una coproducción hispano-argentina. Al contrario de lo que se podría pensar, la historia no esta enfocada en los asesinatos del petiso orejudo, sino que, por lo contrario, esta enfocada en un joven protagonista que, por una cuestión psicológica, tiene premoniciones y puede ver a las victimas del asesino. De esta forma, se crea un guión firme aunque demasiado inocente y predecible, que de suspenso tiene poco y el misterio dura poco y nada, ya que la estructura lineal de la trama da por sobreentendido ciertos aspectos que deberían quedar como incógnitas. La fotografía de la cinta tiene a perderse en lo opaco de muchos decorados, y también, en las locaciones elegidas, el juego de luces y la disposición de las mismas opta por tener un bajo recurso fotográfico y dejar que la cinta por completo parezca añejada, casi como una imagen gastada. De todas formas, las locaciones están muy bien elegidas y reconstruidas, además de estar filmadas de una forma inteligente, ya que mostrando poco y nada del barrio donde transcurren los hechos, se editan y se compaginan de una forma tal que se completa la cinta sin notar la poca variedad de decorados. La dinámica narrativa esta contrapuesta por un ritmo argumental firme pero sin demasiada fuerza, haciendo que por momentos la cinta se vuelva un tanto aburrida y se vaya de foco, ya que se le da mucha importancia a personajes secundarios para mantener la incógnita del asesino, quien de repente cobra una importancia desmedida con su aparición en el resto del film. Las actuaciones, por momentos, dejan bastante que desear, ya que la mezcla de excelentes actores con otros novatos o desconocidos no esta bien balanceada por un trabajo firme por parte del director.

La película cuenta la historia de un pequeño niño, hijo de una española que vino a la Argentina y se puso en pareja con un policía que conoce cuando, un día en el parque de diversiones, su hijo es agredido por un desconocido y este policía le salva la vida. A partir de allí, el niño sufre pesadillas sobre ese día y de vez en cuando tiene ciertas premoniciones y ve como asesinan gente en el lugar donde el había sido agredido. Las premoniciones se acentúan cuando el “petiso orejudo” comienza a matar por pura diversión, y el niño ayuda a la policía, que primero se muestra indiferente a este “fenómeno” pero que después lo ve necesario para encontrar al asesino.

La dirección esta a cargo del español Jorge Algora (Camino de Santiago. El origen, Terra de náufragos, Emigrantes en terra de emigrantes) quien realiza una tarea demasiado básica y mediocre para merecer crédito alguno. Actúan la bella y talentosa Maribel Verdú (El Laberinto del fauno, Y tu mamá también, Belle epoque), el porteño Daniel Freire (El Censor, Lucía y el sexo, Arizona sur), el gallego Chete Lera (Abre los ojos, El Alquimista impaciente, Tocar el cielo), el novato Juan Ciancio (Mi Argentina privada) y el joven argentino Abel Ayala (Maradona – La mano de Dios, Grité una noche, El Polaquito), quien brinda una de las personificaciones mas sorprendentes.

Desgraciadamente, la cinta es mucho menos de lo que promete. Tiene muchos puntos en contra y casi ninguno a favor, sobre todo si hacemos hincapié en el género al que dice pertenecer y observamos que es lo que nos transmite. Por momentos aburrida y un tanto obvia, la película no deja de ser una mas de las tantas coproducciones que terminan quedando en el olvido, aunque si nos compenetramos con mucha fuerza en su historia, puede que nos mantenga atrapados en algunos momentos.

Lucas Robledo.

Puntuacion: 5/10

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El Niño de Barro.

Un peso pesado español y otro argentino, unían fuerzas para producir una prometedora película de suspenso basada en uno de los casos policiales más fuertes de la Argentina. El “petiso orejudo” fue un asesino que con menos de 16 años ya había asesinado a muchísima gente de la forma mas brutal, ya que no solo se conformaba con asesinarlos, sino que los torturaba de formas indescriptibles antes y después de muertos. Cayetano Santos Godino era su nombre real, y había nacido el 31 de octubre de 1896. A decir verdad, la historia argentina no tiene grandes casos policiales para plasmar en cintas, ya que quitando la dictadura (plasmada hasta el hartazgo) y la guerra de las Malvinas (plasmada pocas veces y de formas no muy convincentes), solo quedan dos asesinos que azotaron las mentes de los criminalistas nacionales: el primer caso es el nombrado, el del “petiso orejudo”. Y después, quizás mas popular por su conducta, fue el caso de Carlos Eduardo Robledo Puch (que para quien lo piense, nada tiene que ver con mi apellido familiar), joven criminal nacido el 22 de enero de 1952, apodado “el ángel negro” o en su defecto “el ángel de la muerte” por la prensa local de ese entonces. Por eso, como decía antes, el productor español de renombre, Julio Fernández, y el niño mimado de la televisión argentina, Adrián Suar, deciden plasmar la vida de este joven, en una coproducción hispano-argentina. Al contrario de lo que se podría pensar, la historia no esta enfocada en los asesinatos del petiso orejudo, sino que, por lo contrario, esta enfocada en un joven protagonista que, por una cuestión psicológica, tiene premoniciones y puede ver a las victimas del asesino. De esta forma, se crea un guión firme aunque demasiado inocente y predecible, que de suspenso tiene poco y el misterio dura poco y nada, ya que la estructura lineal de la trama da por sobreentendido ciertos aspectos que deberían quedar como incógnitas. La fotografía de la cinta tiene a perderse en lo opaco de muchos decorados, y también, en las locaciones elegidas, el juego de luces y la disposición de las mismas opta por tener un bajo recurso fotográfico y dejar que la cinta por completo parezca añejada, casi como una imagen gastada. De todas formas, las locaciones están muy bien elegidas y reconstruidas, además de estar filmadas de una forma inteligente, ya que mostrando poco y nada del barrio donde transcurren los hechos, se editan y se compaginan de una forma tal que se completa la cinta sin notar la poca variedad de decorados. La dinámica narrativa esta contrapuesta por un ritmo argumental firme pero sin demasiada fuerza, haciendo que por momentos la cinta se vuelva un tanto aburrida y se vaya de foco, ya que se le da mucha importancia a personajes secundarios para mantener la incógnita del asesino, quien de repente cobra una importancia desmedida con su aparición en el resto del film. Las actuaciones, por momentos, dejan bastante que desear, ya que la mezcla de excelentes actores con otros novatos o desconocidos no esta bien balanceada por un trabajo firme por parte del director.

La película cuenta la historia de un pequeño niño, hijo de una española que vino a la Argentina y se puso en pareja con un policía que conoce cuando, un día en el parque de diversiones, su hijo es agredido por un desconocido y este policía le salva la vida. A partir de allí, el niño sufre pesadillas sobre ese día y de vez en cuando tiene ciertas premoniciones y ve como asesinan gente en el lugar donde el había sido agredido. Las premoniciones se acentúan cuando el “petiso orejudo” comienza a matar por pura diversión, y el niño ayuda a la policía, que primero se muestra indiferente a este “fenómeno” pero que después lo ve necesario para encontrar al asesino.

La dirección esta a cargo del español Jorge Algora (Camino de Santiago. El origen, Terra de náufragos, Emigrantes en terra de emigrantes) quien realiza una tarea demasiado básica y mediocre para merecer crédito alguno. Actúan la bella y talentosa Maribel Verdú (El Laberinto del fauno, Y tu mamá también, Belle epoque), el porteño Daniel Freire (El Censor, Lucía y el sexo, Arizona sur), el gallego Chete Lera (Abre los ojos, El Alquimista impaciente, Tocar el cielo), el novato Juan Ciancio (Mi Argentina privada) y el joven argentino Abel Ayala (Maradona – La mano de Dios, Grité una noche, El Polaquito), quien brinda una de las personificaciones mas sorprendentes.

Desgraciadamente, la cinta es mucho menos de lo que promete. Tiene muchos puntos en contra y casi ninguno a favor, sobre todo si hacemos hincapié en el género al que dice pertenecer y observamos que es lo que nos transmite. Por momentos aburrida y un tanto obvia, la película no deja de ser una mas de las tantas coproducciones que terminan quedando en el olvido, aunque si nos compenetramos con mucha fuerza en su historia, puede que nos mantenga atrapados en algunos momentos.

Lucas Robledo.

Puntuacion: 5/10

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Feel the Noise.

Cuando el rap y el hip hop solo se reflejaban en las películas como la música que cultivaba gangsters y matones de los barrios negros de los Estados Unidos, un vivo y visionario productor hacia que la consagrada promesa blanca del rap, Eminem, protagonice una película inspirada medianamente en su propia vida. Así es como el film del 2002, 8 Mile, dirigido por Curtis Hanson (Lucky You, In Her Shoes, Wonder Boys) haciendo una gran labor, recibía mas de 20 nominaciones de todo tipo, incluidos los Oscars. Aunque pocos lo admitan, este film fue el “precursor” de que se hagan otros por el estilo, y es así como en el 2005 salen dos películas similares: por un lado, tenemos a la ficción llamada Hustle & Flow, dirigida por Craig Brewer (Black Snake Moan) que cuenta los vaivenes en la vida de un hombre que, perdidos todos sus sueños, decide convertirse en cantante de rap para salir a la fama. Por otro lado, tenemos la biográfica Get Rich or Die Tryin’, dirigida por Jim Sheridan (In the Name of the Father) y protagonizada por Curtis ‘50 Cent‘ Jackson, quien se “auto representa” en un guión también inspirado en su propia vida. Se han hecho otras películas símiles, pero sin gran repercusión ni publicidad, hasta que en el 2007 la “newyorkina” de raíces latinas Jennifer Lopez decide producir un film con grandes similitudes, pero llevándolo a Puerto Rico y teniendo como ritmo principal al conocido Reggaeton, ritmo que resulta de la mezcla entre el hip hop y otros ritmos mas latinos. En esta cinta, las cosas comienzan diferente a las otras, ya que, como dije antes, la acción nos traslada desde la vida en los barrios bajos de Harlem hasta Puerto Rico, donde se nos muestran sus costumbres y su cultura con detalle, pasando casi por alto el cliché de acentuar cuan dura es la vida del afroamericano en los Estados Unidos. Con una dinámica narrativa firme, llena de situaciones y diálogos a la medida, la cinta se va nutriendo de una interesante metáfora que hace las diferencias entre el ritmo de Puerto Rico y el ritmo americano, uniendo temáticas en sus líricas como un reflejo de libertad de expresión. Como todo drama que se precie, incluso en esos que no tienen al drama como fuerte obligatorio pero si en su contenido global, como en este caso, se hace hincapié en las relaciones humanas, con una estructura que centra esta suerte de “análisis” sobre la relación padre-hijo un poco problemática. La música, como era de esperar, es una selección acertada de los mejores ritmos y bueno temas de ambos géneros, con mucha fuerza y representatividad de cada lugar, haciéndose presente bandas y músicos como Omarion, Sean Paul, Young Rome, Wyclef, Tego Calderon o Calle 13, entre otros. El guión y su estructura son bastante mediocres, ya que están construidos sobre diversos clichés clásicos y, si bien no tienen la fuerza necesaria ni el alma que predica, termina convenciendo al menos a aquellos que gustamos de este tipo de música y su proceso, detalle quizás innecesario pero que al ser mostrado, como en este caso, le da un poco mas de empuje al producto, haciéndolo quizás mas creíble. El apartado técnico, por ultimo, deja bastante que desear, mostrando una fotografía demasiado básica y un trabajo de cámaras digno de un novato sin aspiración alguna.

La historia cuenta sobre un joven del barrio de Harlem, que como muchos de su clase, tiene el sueño de, algún día, ser cantante de rap. Tras tener una pelea con una pandilla local, la madre decide mandarlo con su padre, a quien el nunca conoció y a quien su madre le había ocultado durante toda su vida. Al llegar a Puerto Rico, inmediatamente se hace amigo del hijo de la nueva mujer de su padre, y conoce a una joven que los va a ayudar en su proyecto musical, ya que al conocer los ritmos puertorriqueños, el joven protagonista cree poder adaptar su forma de cantar y ser una estrella mas de la escena local del Reggaeton.

La dirección esta a cargo del argentino Alejandro Chomski (Dormir al sol, Hoy y mañana), quien no hace un grandioso trabajo como director. Muchos dicen que tuvo su oportunidad y la dejo pasar. Actúan Omarion Grandberry (Somebody Help Me, Fat Albert, You Got Served), Giancarlo Esposito (Ali, Derailed, Blind Horizon), la belleza de aires latinos Zulay Henao (Illegal Tender, Grizzly Park, Saturday Morning) y Victor Rasuk (Lords of Dogtown, Adrift in Manhattan, Stop Loss).

Con el esteriotipado y cursi dejo moral de hacer nuestros sueños realidad, y con un pequeño golpe a la comercialización de la música en manos del imperialismo y de cómo sus grandes “managers” intentar deformar un producto original para que se puedan vender, quitándole el alma al trabajo ajeno. Pero fuera de todo este dilema “social”, tanto J-Lo como su esposo no pierden oportunidad y hacen un pequeño y patético cameo llegando al final de la cinta, que, por cierto, termina siendo totalmente predecible.

Lucas Robledo.

Puntuacion: 5/10